Premierenberichte

07.03.2013 | "Götterdämmerung" in Halle: Letzter Akt einer ungewöhnlichen und erfolgreichen Koproduktion der Oper Halle mit dem Theater im Pfalzbau Ludwigshafen in Kooperation mit der Deutschen Staatsphilharmonie Rheinland-Pfalz. "Die bestehende Ordnung der Dinge zerstören" wollte Richard Wagner in seinem Dresdner Flugblatt "Die Revolution" von 1848. Das gelingt in der "Götterdämmerung", die Götter zerstören ihre eigene Welt. Siegfried, der Held, muss sterben und Brünnhilde entdeckt zu spät die Intrige, die um sie und den Geliebten gesponnen wurde. Regisseur Hansgünther Heyme, der auch für die Kostüme zuständig war, hat eine Welt von heute inszeniert und seine Figuren doch den Blick zurück werfen lassen. "Er macht Regietheater, aber kluges, reflektiertes Regietheater alter Schule", heißt es im MDR. In den Dresdner Neuesten Nachrichten (DNN) ist zu lesen: "Vor und in diesen Kulissen erzählt Heyme mit einem bewusst handgemachten Theater ohne technischen Angeber-Ehrgeiz meistens klar und deutlich." Auch für die musikalische Leistung gibt es im MDR Lob, nicht nur für die Sänger, sondern auch fürs Orchester: "Karl-Heinz Steffens und die Staatskapelle Halle haben eine sehr klangprächtige, an fein abgemischten Orchesterfarben reiche, eine sehr eindrucksvolle ‚Götterdämmerung‘ gespielt." Das Fazit: "Hut ab! Ein großer Abend zum Abschluss einer ungewöhnlichen Kooperation und eines im nationalen Vergleich unbedingt empfehlenswerten und vorzeigbaren ‚Ring‘-Projekts, auf das die Oper Halle stolz sein kann in diesem Wagnerjahr 2013." Und in der DNN wird bilanziert: "Eigentlich sind das tolle Zeiten für Wagner-Fans. Der große heraufbeschworene Kulturinfarkt sieht anders aus." Zuletzt sei noch die Mitteldeutsche Zeitung mit ihrem abschließenden Urteil zitiert: "‘Zurück vom Ring‘ sind Hagens allerletzte Worte. Der Gute irrt. In Halle muss es heißen: ‚Hin zum Ring!‘" Das Foto (Gert Kiermeyer) zeigt Andreas Schager als Siegfried und den Chor der Oper Halle.Weiterlesen

27.02.2013 | Nicht das "Aschenputtel" der Gebrüder Grimm, sondern die etwa hundert Jahre ältere Version von Charles Perrault liegt Rossinis Märchenoper zugrunde: Ein Stiefvater statt böser Stiefmutter gedenkt eine seiner Töchter mit dem Prinzen zu verheiraten. Ein anderer wesentlicher Unterschied: Nachdem sie mit dem geliebten Prinzen vereint ist, verzeiht die "Cenerentola" ihrer Familie alles, was sie ihr angetan hat. Spaß, Herz, Ernst, auch Sozialkritisches sei in der Oper enthalten, so die Regisseurin Bettina Lell im Interview auf der Webseite des Theaters; ein Werk, das im Widerstreit von Absolutismus und Aufklärung entstand. Vor allem aber sei die "Cenerentola" ein "Stück, das Spaß macht", so Lell. Ihrer Inszenierung ist das durchaus anzumerken. "Getrost darf man sich in Pforzheim den Wonnen sinnlicher Musik und der einfallsreichen Inszenierung von Bettina Lell überlassen", schreibt die Pforzheimer Zeitung. Eine "Spieloper und Charakterkomödie der alten Schule", hat der Rezensent auf der Bühne erlebt. Und gute Ensembles: Dirigent Martin Hannus lasse in der Ouvertüre "das Rossini-Crescendo wie einen Sektkorken knallen" und weise mit der "bestens aufgelegten Badischen Philharmonie und Herrenchor und Extrachor des Pforzheimer Theaters auf Rossinis Herzenston hin, der in der ‚Cenerentola‘ die schnurrende Buffokomödie hinter sich lässt." Auch die Badischen Neuesten Nachrichten berichten positiv über Chor und Orchester: "Erneut gefallen die von Salome Tendies einstudierten, schwungvollen Männerchöre. Und die auftrumpfenden Orchester-Crescendi (…) sind bei Kapellmeister Martin Hannus und seiner Badischen Philharmonie mit flotter Gangart bestens aufgehoben." Das Foto (Sabine Haymann) zeigt Maria Perlt (Clorinda),Alexandra Paulmichl (Tisbe), Axkan Axdin ( Dandini) sowie Mitglieder des Herrenchors und des Herren-Extrachors des Theaters Pforzheim.Weiterlesen

25.02.2013 | Die Cottbuser Aufführung von Christoph Willibald Glucks Oper ist ein Koproduktion der Kammerakademie und des Potsdamer Hans Otto Theaters mit dem Staatstheater Cottbus. "Ach, ich habe sie verloren", singt Orfeo herzzerreißend im dritten Akt. Als er von Amor die Gelegenheit erhält, seine geliebte Euridice aus dem Totenreich zurückzuholen, will diese nicht mit ihm gehen. Dass der Gatte sie, dem Verbot gehorchend, nicht anschaut, deutet sie als Lieblosigkeit. Schließlich also tut er es doch - und glaubt sie dann für immer verloren. Regisseur Martin Schüler entschied sich in Cottbus für die erste, die "Wiener" Fassung. Gluck und sein Librettist Ranieri de Calzabigi wollten die italienische Oper reformieren und taten dies gerade mit dieser ersten "Orfeo"-Fassung so radikal, dass nicht mehr viel "Spektakel" für eine szenische Umsetzung übrig blieb. Was der Inszenierung allerdings keinen Abbruch tat: "Die Inszenierung von Christoph Willibald Glucks Oper ist ein Höhepunkt in Martin Schülers Schaffen", war im rbb zu hören. Der Rezensent schwärmt geradezu von der "Zartheit und optischen Schönheit der Inszenierung" - und von den Kollektiven: "Wieder einmal auf bestem Niveau der Chor und das Orchester des Cottbusser Theaters (Leitung: Marc Niemann)". Auch die Lausitzer Rundschau hat an der Regie-Arbeit nichts auszusetzen: "Mit stimmigen und starken Bildern ist es Martin Schüler gelungen, einen Blick unter die Oberfläche des Orpheus-Mythos zu eröffnen, wie ihn Glucks schnörkelfreie, fast klinisch reine Musik gebietet", ist hier zu lesen. Und der Chor? "Dem Chor in der Oper eine große und handlungsbezogen dramatische Rolle zu geben, gehört auch zu den Grundsätzen der Calzabigi-Gluckschen Opernreform. Christian Möbius hat seine vorzüglich einstudierte Chor-Kammerbesetzung darauf eingestellt. Von der Regie sehr individuell geführt grundierte der Chor das Unheimliche, Ambivalente der Inszenierung." (Lausitzer Rundschau). Das Foto (Marlies Kross) zeigt Evmorfia Metaxaki als Amore und Marlene Lichtenberg als Orfeo.Weiterlesen

20.02.2013 | Noch unter dem Eindruck des Terrorregimes der Nationalsozialisten hat Francis Poulenc seine Oper "Dialogue des Carmélites" komponiert. Erzählt wird die (auf einer wahren Begebenheit beruhende) Geschichte einer früheren Schreckensherrschaft. Die 16 Karmeliterinnen, die 1794 in der Spätrevolutions-Phase des "terreur" am Schafott sterben, weil sie ihr Gelübde nicht brechen wollen, symbolisieren den Erhalt der menschlichen Würde. Bei Poulenc gehen sie gemeinsam singend, eine nach der anderen zum Schafott. Der Gesang wird immer dünner und erstirbt mit dem Tod der Protagonistin Blanche schließlich ganz. Ein eindrucksvolles Musikerlebnis, das am Ulmer Theater nun ebenso eindrucksvoll umgesetzt wurde. In einem im Wesentlichen weißen Bühnenbild wird Blanche zunächst zur Nonne, flieht dann unter dem Eindruck der Gefahr, um schließlich doch mit den Schwestern in den Tod zu gehen. "Stimmlich gut umgesetzt" sei das Werk in Ulm, ist im SWR zu hören. "Für mich die eindringlichste Inszenierung am Ulmer Theater seit Jahren", berichtet der Rezensent. "Jeder, der das im Ulmer Theater nicht sieht, ist zu bedauern", wird ein begeisterter Opernbesucher zitiert. "So musikalisch beseelt erklang schon lange keine Oper mehr am Theater Ulm: Timo Handschuh dirigiert Francis Poulencs ‚Dialogues des Carmélites‘. Ausgezeichnet auch die Stimmen der Karmeliterinnen", heißt es im Bericht der Südwestpresse - und später: "Die hohe Qualität der Frauenstimmen, des Chores und der Solistinnen, machte das Premierenglück perfekt." Das Foto (Jochen Klenk) zeigt Maria Rosendorfsky, Edith Lorans, I Chiao Shih, Rita-Lucia Schneider sowie Damen des Opern- und Extrachors.Weiterlesen